Heavy-rhythm: Zirakzigil, «Worldbuilder»

WorldbuilderThe easy way would be to call it «heavy prog», as they say too, but I think Zirakzigil’s second album, Worldbuilder is much more than that. For starters, there isn’t a single drop of the typical show-off attitude pertinent to prog, on the contrary, the Portland trio seems to be engaged in a serious struggle, let’s say to control and to shape the power of the music they conjure. As their lives depend on it.

Zirakzigil turn down the usual devices of sludge/doom, huge riffs in the first place, and pursue the heaviness using the rhythm. You may say it isn’t such a great novelty, but in doing so they have almost succeded in finding their own voice. «Almost» because, any other musician, they don’t play in a vacuum, and because I wish them a long series of albums to come. Still, they own their sound.

Worldbuilder is mainly built upon two little rhythmic cells that, combined, open the first track, and then continue to emerge and transform in the flow of the four long songs, until the last, gorgeous track, Terra pericolosa (a nice Italian title). Easily recognizable, and very effective, either in their lightest or their heaviest form, they are like railroad tracks upon and around which Zirakzigil unleash their fury. Especially in the long instrumental sections, where the combined focus of the three musicians is impeccable.

Not an easy heavy to handbang to (particularly at my age), nontheless the energy of Worldbuilder is relentless, and sticks with you long after its last note: you want to feel again that feeling of being on top of a huge train speeding up in the night.

Zirakzigil, Worldbuilder, self-released 2015.

 

Continue Reading

The good drum and bass: Beehoover

PrimitivePowersSono molto contento che i Beehoover continuino per la loro strada, perché sono un duo basso e batteria («Not that drum’n’bass. The good drum and bass»), perché sono molto simpatici e perché tirano delle gran mazzate. Li seguo dal 2008, dall’ottimo Heavy Zoo, e trovo che questo loro ultimo album, Primitive Powers, rappresenti un gran ritorno alla loro vena migliore. E tale «vena migliore» di Ingmar Petersen (basso e voce) e Claus-Peter Hamisch (batteria e voce) la si potrebbe definire ferroviaria, essendo i loro brani più entusiasmanti paragonabili a treni in corsa a tutta potenza e senza freni. Ogni tanto, per così dire, aprono il diaframma, e suoni e strutture si allargano ai confini possibili dell’organico ridotto, ma poi si concentrano di nuovo sulle botte, rese poderose dalla impenetrabile compattezza che si può ottenere saldando insieme basso e batteria. Negli anni il tono generale si è appesantito e scaldato, il basso è ancora più pieno e le canzoni hanno gli angoli stondati – c’è meno rabbia e meno urgenza, ma non minore potenza.

* * *

I am very happy that Beehoover keep on their way, because they are a duo (a drum & bass duo: «Not that drum’n’bass. The good drum and bass»), because they are very nice and because they are capable of real heaviness. I follow them since 2008, since the excellent Heavy Zoo, and I find their latest album, Primitive Powers, a great come back of their best inspiration. And I would call it a railway muse, because Ingmar Petersen (vocals and bass) and Claus-Peter Hamisch (drums and vocals) most exciting tracks are like trains running at full power and without brakes. Every now and then, they open the angle, and sounds and structures widen to the maximum capability of the two instruments, but then they focus again on the hammer, a really powerful hammer, resulting from the impenetrable consistency that can be obtained by tieing together bass and drums. Over the years, the overall tone has weighed and warmed, the sound of the bass is even fuller and the songs’ corners have been rounded – there is less anger and less urgency, but no less power.

Beehoover, Primitive Powers, Unundeux 2016.

 

Continue Reading

Deep currents: Nonsun, «Black Snow Desert»

BlackSnowDesertIl paesaggio sonoro di Black Snow Desert (è il titolo stesso dell’album che invita a «osservare» la musica come se fosse un paesaggio nel quale si cammina, o che si vede scorrere dal finestrino di un treno) prende corpo lentamente, tra echi, effetti e riflessi: una situazione crepuscolare che occupa per intero il primo brano e si consolida durante il secondo. Ed è qui che, oltre al definirsi della tonalità complessiva – oscura, e spesso minacciosa, ma non aggressiva –, si stagliano anche le prime affermazioni, cioè i primi riff, o meglio i loro fantasmi. Black Snow Desert, primo full-length del duo ucraino Nonsun, è un discorso musicale complesso e ampio (i sette brani si susseguono senza cesure per un’ora e ventiquattro minuti) che richiede una partecipazione non fluttuante da parte dell’ascoltatore, e può essere, proprio per questo, molto gratificante.

Tale attenzione prolungata permette soprattutto di apprezzare l’enorme tensione degli episodi più forti che emergono dal tappeto ininterrotto di effetti e droni, o dal magma sonoro saturo di feedback e di echi industrial. In questi episodi, come ad es. la sezione conclusiva di Ashes of Light, Demons of Justice, chitarra e batteria, entrambe rocciose e colossali, si sollevano e ingaggiano un testa a testa furiosamente espressivo. Altrove i Nonsun si dimostrano maestri della costruzione per lenta accumulazione di pochi elementi, come in Peace of Decay, Joy of Collapse, che esplode dopo uno splendido crescendo.

BSD è anche un album di grande ricchezza timbrica, dovuta all’ampio spettro di percussioni utilizzate, che si allargano ben al di là della «semplice» batteria e che si confrontano alla pari con la potenza delle chitarre, come nella bellissima Heart’s Heavy Burden, «cuore» metallico del disco. Superata la metà non si può fare a meno, inoltre, di avvertire una forte componente ritualistica, legata ai ritmi, certo, ma anche a strani episodi dissemintati qua e là: sono trombe tibetane quelle che si sentono in Observing the Absurd?

L’artimia cardiaca del basso che conclude proprio questo brano si normalizza infine in Rest of Tragedy, cui è affidato il finale titanico del disco: il treno musicale dei Nonsun si ferma e scivola nell’indistinto.

Black Snow Desert è un eccellente disco di drone/doom ricco di sfumature musicali ed emotive. L’aspetto più interessante è forse proprio nella continuità dell’atmosfera, come dicevo oscura, tesa, desolata, mai feroce. Atmosfera che periodicamente si spezza, per sovraccarico di pressione, in episodi di pura heaviness, nei quali sfociano e trovano temporanea requie le correnti spirituali che scorrono nelle profondità della musica dei Nonsun.

* * *

The sonic landscape of Black Snow Desert (it’s the title of the album itself that invites you to «observe» the music as if it were a landscape in which you walk, or you see flowing behind a train’s window) takes shape slowly, from echoes, effects and reflections: a twilight feeling that prevails in the entire first track and get stronger in the second one. And this is where, in addition to the overall tone – dark, often menacing, yet not aggressive –, the first statements are made: the first riffs, or rather, their ghosts.

Black Snow Desert, Ukrainian duo Nonsun first full-lenght, is a complex and extensive musical discourse (seven tracks without breaks for one hour and twenty-four minutes), demanding a non-fluctuating attention from the listener, that could be, for this very reason, very rewarded. This prolonged attention allows especially to appreciate the enormous power of the strongest episodes that emerge from the continuous of effects and drones, or from the sound magma saturated by feedback and industrial echoes. In these episodes, such as the final section of Ashes of Light, Demons of Justice, the guitar and the drums, both rocky and colossal, rise up and engage in a furiously expressive head-to-head. Elsewhere Nonsun prove themselves masters of construction by slow accumulation of a few elements, as in Peace of Decay, Joy of Collapse, which explodes after a magnificent crescendo.

BSD is also an album of great tonal richness, due to the wide spectrum of percussions used, that spread far beyond the «simple» drums and stand up to the power of the guitars, as in the beautiful Heart’s Heavy Burden, metallic «heart» of the record. As you keep on listening you cannot help but recognize a strong ritualistic feeling, due of course to the tempos, but also to some strange episodes here and there: are Tibetan trumpets those ones in Observing the Absurd? The arhytmic pulse of the bass that concludes this very track at last gets normal in Rest of Tragedy, which is given the task of ending the album on a titanic note: Nonsun’s music train slowly stops and slips in the indistinct.

Black Snow Desert is an excellent drone/doom album, full of both musical and emotional nuances. The most interesting aspect is precisely the atmosphere of constant darkness, and tension, and bleakness, however not vicious. An atmosphere that periodically breaks in bursts of pure heaviness, due to pressure overloads, episodes in which the spiritual currents flowing continuously in the depths of Nonsun’s music found temporary relief.

Nonsun, Black Snow Desert, self-rel. 2016.

 

Continue Reading

Bismuth, «Unavailing»

UnavailingMentre noi appassionati di drone/doom siamo inebriati dall’ultimo, magnifico album dei Sunn O))), il rischio è quello di mettere da parte troppo in fretta, o passare sotto silenzio, il nuovo disco (il loro primo full-lenght) dei Bismuth, e sarebbe un peccato, perché Unavailing è un oggetto musicale nero, levigato e lucente di bellezza inattesa.

In cerca di una definizione per la musica dei Bismuth – cioè di Tanya Byrne (basso e voce) & Joe Rawlings (batteria e un accenno di chitarra), da Nottingham –, opterei per un «deep doom scarno e ciò nonostante maestoso». Uno dei tratti più interessanti della loro formula, i cui assi cartesiani sono gravità e lentezza, è la capacità di aprire spazi luminosi e arieggiati negli oscuri tunnel sotterranei che sono i loro brani (qui tutti e quattro oltre i dodici minuti di durata): in questi spazi, in queste temporanee sospensioni dell’escavazione, la voce spegne l’urlo e si alleggerisce e il muro sonoro si rarefa – si rifiata un momento prima di cacciarsi di nuovo sotto.

Là dove ci si potrebbe inoltre aspettare un fronte musicale senza reali variazioni, i quattro brani di Unavailing offrono ciascuno una nota distinta, esplorando tutte le possibilità offerte da un organico ridotto e dal dio degli amplificatori: piccoli cambiamenti di tempo, uso di crescendo e diminuendo, alternanze timbriche, feedback – e, naturalmente, riff: pochi ma pesantissimi e micidiali. All’interno dei sessanta minuti di Unavailing la mia personale predilezione va a Holocene Extinction, ai tuoni che le aprono e ai suoi ultimi momenti di pura estasi heavy, e alla conclusiva, disperata e formidabile marcia di Solitude and Emptiness.

Tanya Byrne ha dedicato l’album al padre, John, che l’ha incoraggiata a produrre riff sin dalla giovane età: sì, grazie davvero, Mr Byrne.

* * *

While we fans of drone/doom are intoxicated by the new, great record of Sunn O))), the risk is to put aside too quickly, or ignore, the new album (their first full-length) of Bismuth, and it would be a real shame, because Unavailing is a black and polished musical object, and shiny of unexpected beauty.

Looking for a definition, I’d say that Bismuth – i.e. Tanya Byrne (bass and vocals) & Joe Rawlings (drums and a hint of guitar), from Nottingham –, play a «bald and yet majestic deep doom». One of the most interesting thing of their formula, built on gravity and slowness (and we love low & slow), is the ability to open bright and airy spaces in the dark underground tunnels to which their songs resemble: in these spaces, these temporary suspensions of the excavation, the voice slids off the scream and gets lighter, and the wall of sound opens a little – a moment of breath before plunging back down.

Where one might also expect a musical landscape with no real changes, the four tracks of Unavailing (all over twelve minutes of duration) offer each a distinct feel, exploring all the possibilities offered by the reduced team and by the Amp God: small changes of time, smart use of crescendo and diminuendo, little tonal alternations, feedback – and, of course, riff: a few but very heavy and very deadly Riffs. Within the sixty minutes of Unavailing my personal choice would be Holocene Extinction, its initial thunders and its last minutes of pure heavy ecstasy, and the final, desperate and formidable march of Solitude and Emptiness.

Tanya Byrne dedicated the album to his father, John, who encouraged her «to play riffs from a young age»: oh yes, thank you very much indeed, Mr. Byrne!

Bismuth, Unavailing, Dry Cough Records 2015.

 

Continue Reading

Heavy is served: Space Bong, «Deadwood to Worms»

DeadwoodToWormsIl gioco, condotto su misure lunghe (ben oltre i dieci minuti a brano) e su tempi medio-lenti, ha un nome noto e preciso: pesantezza. Gli Space Bong lo giocano alla perfezione, con i riff smisurati, le urla tormentose, la batteria gigantesca, l’eccesso e la ripetizione.

Sei anni dopo l’ottimo esordio di The Death of Utopia – anni di «rehab, isolation and living off-grid» –, il sestetto (due chitarre e due voci) di Adelaide è tornato con Deadwood to Worms, quattro pezzi di metallo fumante e una singolare cover di un brano famoso (1973) della cantante Betty Davis, che ne esalta l’ottimo riff.

Il metallaro si trova perfettamente a suo agio in questi brani che puntano sull’intensità più che sull’originalità, anzi il metallaro per certi versi è convinto che oggi valga più la prima che la seconda, e quindi abbraccia gli Space Bong di slancio, apprezzando la massa sonora che viene assemblata, scaricata e depositata nelle sue orecchie.

Ottimi esempi di questo sono la dolente litania che comincia a metà di Slow Spring e scava in profondità sino alla fine del brano; o ancora di più la sezione centrale della title-track, che offre una prestazione di accanimento esaltante (con un interessante riff «a scendere»).

Il doomster vuole quell’accordo grave, che è il simbolo dell’heaviness e che lo sprofonda insieme con la musica in un abisso di conforto; ama essere accompagnato laggiù da una voce capace di rendere dolce la rabbia; non si sazia del riff che lo atterra – e con gli Space Bong è servito nel migliore dei modi.

* * *

The game, played on long distances (well over ten minutes per song), and on mid-to-slow tempos, has a well-known and precise name: heaviness. Space Bong play it perfectly, with monstrous riffs, agonizing screams, giant drums, excess and repetition.

Six years after the excellent debut of The Death of Utopia – years of «rehab, isolation and living off-grid» – the Australian sextet (two guitars and two voices) from Adelaide is back with Deadwood to Worms, four tracks of steaming metal, plus a nice cover of a famous Betty Davis’ song (1973), which intesifies its excellent riff.

The metalhead is perfectly at ease in these tracks that choose intensity rather than originality, and he is convinced that today the first is worth a lot more than the latter, so he welcomes Space Bong, enjoying the sonic mass which is assembled, discharged and deposited in his ears.

Good examples of this are the sorrowful litany that starts at the half of Slow Spring, and digs deep until the end of the song; or even more the middle section of the title-track, which offers a truly powerful performance of persistence (with an interesting descending riff).

The doomster craves for that deep chord, which is the symbol of heaviness, and sinks him with the music into an abyss of comfort; he loves to be taken there by a sweet-angered voice; he has never enough of the riff that levels him – and with Space Bong all of it is served, in the best way.

Space Bong, Deadwood to Worms, False Idol Records 2015.

 

Continue Reading

The warmth of doom: Windhand, «Grief’s Infernal Power»

Grief's Infernal FlowerDopo un numero adeguato di ascolti (molti) del nuovo disco (il terzo) dei Windhand, mi è diventato chiaro il perché del mio istintivo apprezzamento: il calore del doom di Grief’s Infernal Flower. Senza rinunciare alla potenza e alla pesantezza, il capiente doom dei nove brani dell’album (intermezzo acustico compreso) non gratta, non punge, non abrade, bensì avvolge e accoglie. E non è soltanto merito – poiché di merito per me si tratta – della voce da mezzosoprano di Dorthia Cottrell, del suo tono suadente, caldo, appunto, e della sua tranquillità, ma anche in gran parte dei grossi riff di Asechiah Bogdan e Garrett Morris: placidi pachidermi che pascolano sereni nelle nostre distese interiori.

La fusione timbrica di voce e chitarre (senza dimenticare il terreno dissodato da Parker Chandler e Ryan Wolfe) è ingrediente fondamentale dell’atmosfera accogliente un po’ di tutti i brani, sia quando è accompagnata da una medesima fusione ritmica (un esempio più che perfetto è Forest Clouds, soprattutto nella prima parte dell’esposizione), sia quando il contrasto ritmico produce invece strani effetti (Hyperion), come lo è la capacità di spingere al massimo l’espressività del solito fazzoletto di toni e semitoni (come in Hesperus, forse il brano migliore del disco, in virtù anche di una coda bestiale).

Molti hanno fatto, a ragione, il nome dei Wizard, ma a me pare che i Windhand abbiano messo al posto dell’aggressività e della sorda disperazione dei Wizard una paradossale ma convincente vena di «dolcezza». Grief’s Infernal Flower è un abbraccio, un mantello che ripara, non una scarica di legnate che stende – un mantello molto pesante, che induce a rallentare e a stendersi, ma senza soffocare.

* * *

After the right number of listenings (a lot) of Windhand’s third album, I got the reason of my prompt appreciation: it’s the «warmth» of Grief’s Infernal Flower’s doom. Without giving up a single ounce of power and heaviness, the vast doom of the nine tracks (including the acoustic interludes) does not scratch, does not sting, does not abrade, but it embraces and «cuddles» the listener. And the merit of this – because merit it is – doesn’t go just to Dorthia Cottrell’s mezzosoprano voice, to her soothing, warm, and tranquil tone, but also to the huge riffs of Asechiah Bogdan and Garrett Morris: placid pachyderms that graze in our peaceful inner fields.

The resulting timbre of voice and guitars (not to mention the grounding work of Parker Chandler and Ryan Wolfe) is a crucial part of this «welcoming» atmosphere, either when it is accompanied by a similar rhythmic fusion (Forest Clouds), or when the contrast produces strange rhythmic effects (Hyperion), and crucial is the ability to expand the expressiveness of the usual bunch of tones and semitones (as in Hesperus, perhaps the best track of the album).

Many have mentioned, rightly, the Wizard, but it seems to me that Windhand have exchanged Wizard’s aggression and despair for a paradoxical but convincing «gentleness». Grief’s Infernal Flower is a hug, a protecting cloak, not a volley of blows – still a very heavy cloak, which makes you slow down and lie, but lets you breathe.

Windhand, Grief’s Infernal Flower, Relapse 2015.

 

Continue Reading

Desperate Meditation: Cult of Occult, «Five Degrees of Insanity»

FiveDegreesPosso dire che lo stessi aspettando, il nuovo disco dei francesi Cult of Occult, e considerando le prove precedenti (Cult of Occult, 2012; Hic est domus diaboli, 2013), anche con una certa fiducia. Bene, Five Degrees of Insanity ripaga dell’attesa e della fiducia: è bellissimo – una colata di puro blackened-sludge, una bestia selvaggia e incontenibile.

La formula, che estremizza quanto i CoO hanno registrato finora, prevede un muro compatto di distorsione feroce e rocciosa, intervellato da qualche momento di disperata meditazione, e un tappeto di urla disumane che si srotola apparentemente senza fine. L’accumulo, ai limiti della sopportazione, è una delle chiavi di volta dei CoO, che aggiungono un tocco particolare al disco con un concept azzeccato: cinque condizioni, appunto, che si susseguono nei titoli dei brani (Alcoholic, Nihilistic, Misanthropic, Psychotic, Satanic) e che rappresentano un micidiale girotondo nella follia.

Può capitare di trovarsi a procedere in apnea durante i settanta minuti di FDoI, il territorio acido e bruciato delimitato dall’album può risultare a tratti insopportabile, ma questa è anche la sua forza, e la bellezza sta proprio nel perdersi per lunghi minuti nel magma sonoro, in quella singolare combinazione timbrica di assurda distorsione delle corde, fragore dei piatti e urlo belluino di cui come pochi altri sono capaci i CoO.

* * *

I was waiting for the new album of Cult of Occult, and keeping in mind their previous records (Cult of Occult, 2012; Hic est domus diaboli, 2013), I’d say I had a lot of expectations. Well, Five Degrees of Insanity is worth the wait, and is up to any kind of expectation: it’s a beautiful block of blackened-sludge, a tumultuous river of rage in form of heavy metal.

Cult of Occult push to extreme what they have done since the beginning: a thick wall of distorsion, with some breaks of meditative desperation, and an unending flow of furious screams. The buildup is the key, stone upon stone upon stone, until the weight is almost unbearable. And then there is the «nice» concept of the «five degrees»: five conditions, according to the titles of the tracks (Alcoholic, Nihilistic, Misanthropic, Psychotic, Satanic), that spirale into madness.

You may find yourself without breath, during the seventy minutes of FDoI, and walking on the deserted and acid gound created by the music may become hellish, but that’s the point, eventually; and loose yourself into the sonic magma, into that unique tone combination made of strings’ monstrous distortion, cymbals’ clamour, and animal screams, which CoO like not so many others are capable of.

Cult of Occult, Five Degrees of Insanity, Deadlight Entertainment 2015.

 

Continue Reading

Goya, «Obelisk» (Metallo pensante #93)

Obelisk

Quando ci si trova in territorio noto l’apprezzamento stesso può far da velo a quello che si sta ascoltando.

Dopo l’esordio molto interessante del 2013, 777, ho seguito i Goya attraverso un ep e uno split (perché ormai, soprattutto all’inizio, sei costretto a mettere fuori musica almeno ogni anno se non vuoi essere dimenticato) e ho accolto con qualche aspettativa il secondo album, Obelisk. L’ho ascoltato e mi è piaciuto subito: basso, chitarra e batteria al top in campo sludge/doom, ottimi riff e scarso interesse per la voce. Tutto molto bene. C’è stato un momento, poi, in cui, come spesso accade, il disco è stato a un passo dall’archiviazione: bene, bravi, alla prossima, se mai dovessero passare vicino a casa magari vado a sentirli… Poi ho rimandato all’inizio un brano un paio di volte, ho risentito l’album per intero, ho rimesso le cuffie, mi sono fissato su alcuni passaggi ed è partita la rotazione.

Perché non è frequente sentire un album sludge/doom così buono e soprattutto così curato in ognuno dei suoi cinquantacinque minuti. Certo, ci sono tutti gli stilemi del genere, ma sembrano nuovi di zecca, «voluti» con decisione: nessun automatismo, nessun riempitivo, nessun trucco. Quello che mi piace in particolar modo di Obelisk è che è un album pieno di dettagli, di tante piccole cose lavorate con accuratezza e tutte, comunque, infinitamente heavy: i colpi di cannone iniziali; il riff davvero notevole di The Devil’s Prey, che non bisogna aver fretta di dare per scontato; l’acido ad libitum di Obelisk; l’aggressività inaspettata dell’episodio acustico 300 Eyes; i raddoppi di chitarra – riff e assolo – di The Sun; la pesantezza sfatta del riff di Beyond Good and Evil; il megariff di No Place in the Sky, uno di quei plinti di calcestruzzo armato che da soli possono reggere una cupola…

Obelisk è arte heavy metal di alto livello, courtesy of Owens, Paz & Lose, da Phoenix, Arizona.

Goya, Obelisk, self-rel. 2015.

 

Continue Reading

High On Fire, «Luminiferous» (Metallo pensante #92)

Luminiferous

Mi sembra, molto semplicemente, che di più non si possa chiedere. Settimo album degli High On Fire, Luminiferous mostra una impeccabile compattezza, sive coerenza, di suono, di tono, di scelte compositive. Sembra quasi un mosaico di quanto di meglio una certa regione dell’heavy metal abbia saputo produrre, un piccolo compendio enciclopedico impostato sul pedale della potenza. Lo ascolto con un vago trasporto, una punta di commozione, esaltato, tra le altre, da diverse cose: l’uso espressivo, e non automatico, della doppia cassa; certe «svirgolate» che si possono sentire apud Napalm Death; le accelerazioni death; i riverberi; i momenti di puro divertimento (Slave the Hive); le nostalgie (The Falconist e Carcosa); le linee vocali, sorprendentemente memorabili; le urla che non possono mancare.

Certo, sul basamento cristallino fornito da Kensel & Matz, c’è Pike, immenso, che giganteggia, rincuora e trascina per qualità dell’ispirazione, della composizione e dell’esecuzione – la potenza del suono, il graal, qui ha senz’altro una forma tangibile: basta mettere le cuffie e concentrare l’ascolto sulla chitarra: è lì, a partire dal fantastico rombo iniziale di The Black Pot.

Luminiferous è un disco-bandiera, di pieno dominio dei propri mezzi espressivi, e poco importa che non sia «sperimentale». È un disco di riff scolpiti nel basalto. È un disco di molti toni: l’aggressività, anche quella rabbiosa, l’immancabile serietà, la nostalgia e il rimpianto, la fermezza e persino qualche spunto di magniloquenza. Ed è – perché no? – un gran disco da orgoglio metallaro: «Ma a te che musica piace?» «Questa, perché?» «E fino a quando pensi di ascoltarla?» «Per sempre.»

High On Fire, Luminiferous, eOne Music 2015.

 

Continue Reading

Weedeater, «Goliathan» (Metallo pensante #91)

Goliathan

È fin troppo facile dare un nuovo disco dei Weedeater per scontato: fanno «quella cosa lì», Dixie Dave canta come uno squilibrato, la massa sonora è morchia opprimente, ecc., ah, e più o meno a metà disco c’è un episodio acustico «strano» e divertente. Bene. Goliathan, quinto full-lenght, pur essendo quintessenza Weedeater, è tutt’altro che un disco scontato e iterativo.

A cominciare dalla nenia vagamente inquietante che lo apre e che ricorda allo stesso tempo il lato ironico del gruppo e quello più anarchico. E a continuare con il monolitico riff di basso che comincia il discorso metallico nel brano che dà il titolo all’album. Un riffone gigante, doppiato subito da Cain Enabler e Bow Down: una notevole tripletta, di piena soddisfazione per il seguace dei W., che sfocia nella grande sorpresa di Battered & Fried: sì, mi aspettavo l’interludio con il banjo, ma non così bello e orecchiabile e pazzo e sudista (a quando un disco acustico, solo banjo e voce e armonica e piede battuto?). Riprendono poi gli spostamenti ciclopici con Claw of the Sloth, che scorrono gloriosamente fino alla fine della succinta mezz’ora, sigillata dall’altra sorpresa di Benaddiction.

Mea culpa: mi aspettavo la routine, per quanto desiderata e amata (avevo qualche timore dopo Jason), e invece Goliathan è un formidabile masso sludge, che rotola impetuoso, senza stanchezze e pieno di piccole novità. Come più vivo che mai, per nostra fortuna, suonano Dixie Dave e il suo basso matto e la sua voce inconfondibile («This house is miiiine…»).

Grande giubilo.

Weedeater, Goliathan, Season of Mist 2015.

 

Continue Reading
1 2 3 10