Delightfully heavy: Slabdragger, «Rise of the Dawncrusher»

RiseOfTheDawncrusherEverything is delightfully heavy in Rise of the Dawncrusher, the new album by sludge/doom trio Slabdragger (from Croydon, London). It took five years to see the light, and finally we don’t have to dwell any longer in the memory of 2011 debut, Regress, and especially of Bab el-Mandeb, its spectacular first track.

Now we have four new long, splendid & massive tracks of heavy doom, plus one short aggression, and they are stuffed with riffs, beautiful first class riffs. And with appropriate screams too.

The tracks are long – eleven to seventeen minutes – because those riffs need space, not just for the right amount of repetitions, but above all for the fitting accommodation of their power.

You can start with the first one, from Mercenary Blues, which keeps on coming back through the sections of the track – slower, faster, slower. The sound of the guitar is thick, sometimes smoother, sometimes rougher, always perfect, always beefed up by a hardy bass.

It’s quite interesting to notice bits of different recipes scattered here and there: the best doom is never built just on previous doom. Dawncrusher Rising is a perfect example of this: it has a solid, recognizable doom base (a deep, colossal riff with high screams on top), but it also shows something unexpected in the middle section, something between twenty to twentyfive years old.

And if you listen closer to every track, after you’re done with the inevitable session of wild headbanging, you’ll find a lot more than the standard statement of the riff. You’ll get echoes, double voices, strange effects, huge drums, a powerful bass solo, curious fragments of other sounds.

I’ll get a flawless record that gives me all the heaviness I need, without filling my lungs with lead and darkness. The end of Implosion Rites, the beautiful last track, shows exactly what I mean.

Slabdragger, Rise of the Dawncrusher, Holy Roar Records 2016.

 

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Battalions, «Nothing to Lose»

NothingToLosePer quanto mi riguarda tutto gira alla perfezione in Nothing to Lose, primo album dei Battalions, quintetto inglese di Kingston upon Hull attivo dal 2009. Lo si potrebbe definire uno sludge ‘n’ roll potente e urlato, ma loro preferiscono «alla vecchia maniera»: «Down tuned heavy rock with extreme vocals. We would call it sludge but we like the older stuff». Anzitutto ci sono i riff, ce ne sono tanti, belli e grossi: facce tutto sommato conosciute, ma che fa sempre molto piacere rivedere. Poi il suono delle chitarre, delle corde in generale: saturo, gonfio e pesante (cosa che non sorprende se si considera il contributo in sede di registrazione di Chris Fielding e Jon Davis dei Conan presso gli Skyhammer Studios). Su questa massa sonora «calda» si installa, a contrasto, una voce sorda e strozzata, che contribuisce ad alzare complessivamente la tensione.

Nothing to Lose è un album nel quale mi sono subito accomodato e dal quale sono uscito rinvigorito: per quanto mi riguarda non è una cosa trascurabile. Se proprio devo trovargli un difetto: è un po’ corto, ma sono certo che i Battalions provvederanno a ciò molti altri album a venire.

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As far as I’m concerned, everything is perfectly right with Battalions’ debut album, Nothing to Lose. Banging since 2009, the five piece from Kingston upon Hull (UK) delivers a massive block of sludge ‘n’ roll, or, as they say, «down tuned heavy rock with extreme vocals. We would call it sludge but we like the older stuff». First of all, the riffs: there’s a plenty of ‘em: big, old, fat riffs; not entirely new, but like old friends you always meet with joy; that kind of riffs that are planted in your metal head, and you instantly recognize when you hear them, and start to virtually bang your head. Second of all, the strings’ tone: thick, stuffed, warm and heavy (not surprising if you consider the recording credit to Chris Fielding and Jon Davis of Conan at Skyhammer Studios). The fast and exciting ride is topped by choked and belligerent vocals, that come as a good match, by contrast, of the sonic mass, and give to the tracks a distinctive edge.

I feel comfortably at home in this album, I feel, if I may say so, encouraged. Maybe it’s a little short, but I’m sure Battalions will fix this with another album, and then another…

Battalions, Nothing to Lose, Hull Noise Collective 2016.

 

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Descent & Lament: Yautja

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Ho già avuto modo di parlare della coda come «oggetto metallico» potenzialmente devastante ed emblematico. Ne ho trovata di recente un’altra di grande qualità e bellezza. Si trova alla fine di crumbling, l’ultimo brano di songs of lament degli yautja, e parte a 5’35”. È la degna conclusione di un ep impeccabile, ed è l’occasione per spendere un po’ di lodi per il trio di Nashville e per la sua micidiale ricetta di sludge/grind.

Oltre a essere apparentemente molto simpatici, e ad avere una già solida fama di live band, gli yautja hanno piazzato due colpi memorabili e originali: songs of descent (2014) e songs of lament (2015), dove ci sono sia le unghiate da 0’59”, sia gli accanimenti da 9’21”, dove c’è l’aggressione e lo scardinamento senza pietà, le sfuriate, il caos, gli scarti improvvisi, le botte, ma c’è anche un suono massiccio e grave e un istinto singolare per l’assemblaggio di brani complessi, che si contorcono su se stessi in maniera sempre interessante. Sono dischi di incredibile varietà, tenuto conto del perimetro dei generi entro il quale si muovono, ed è varietà di linguaggio, di fraseggio, di idee, scaraventate a ritmo continuo nelle orecchie dell’ascoltatore – sballottato e inebriato.

La coda l’avevano già provata, con buoni risultati, in faith resigned, sul primo disco, ma con gli ultimi quattro minuti di crumbling ne scolpiscono una davvero colossale che suggella in maniera perfetta la prima ora di musica degli yautja – prima di spero molte altre ore a venire.

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I have already said something about the coda as a potentially devastating and highly symbolic «metal object». I recently found another example of great quality and beauty. It can be found at the end of crumbling, the last track of songs of lament by yautja, beginning at 5’35”. It’s a fitting end to a faultless ep, and it is an opportunity to praise the Nashville trio and its lethal sludge/grind recipe.

Besides being apparently very nice, and having already a solid reputation as a live band, yautja have put out two memorable and quite original albums: songs of descent (2014) and songs of lament (2015), where you can find both the 0’59” scratches and the 9’21” rages; the aggression and the merciless disruption, the outbursts, pure chaos, the sudden swerves, and the punches, but where you can also enjoy a thick and massive sound, and a characteristic instinct for putting together complex tracks, always interesting. These are two records of incredible variety, considering the rules of the genres to which they could be assigned, and it’s a variety of language, of phrasing, of ideas continously thrown at the listener.

They had already tried the coda, with good results, in faith resigned, on the first album, but with the last four minutes of crumbling they have carved a truly colossal one, that perfectly seals the first hour of yautja’s music – hopefully the first of many other hours to come.

Yautja, songs of descent (2014), songs of lament (2015), Forcefield Records.

 

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Organ, «Tetro»

TetroLa prima cosa da dire è anche la più semplice: che bel disco! Tetro, opera prima dei bellunesi Organ, è un album di grandi soddisfazioni per il consumatore di doom. Molte sono le cose che possono piacere: i due assi primari di riferimento (Wizard e Ufomammut), debitamente meditati e fatti propri; lo spostamento in secondo piano della voce, quasi in funzione decorativa; il suono roccioso e massiccio; il basso molto «grasso»; l’uso dell’ostinato e della ripetizione (che servono, tra l’altro, a riscattare in pieno quella singolare tentazione intellettualistica di molto metal italiano assimilabile). E poi ci sono i riff, ce ne sono tre in particolare, che pur inserendosi in una precisa genealogia, hanno personalità e si stagliano come montagne il cui profilo hai imparato a riconoscere:

Il primo riff di Slave Ship, molto «italiano», verrebbe da dire, ripetuto abbastanza perché se ne possa apprezzare la solidità e l’insolito movimento «a pendolo»; quello di Witch House; quello di Kholat Syakhl, che fonde i due riferimenti di cui sopra in un ottimo esemplare di peso e potenza, a forza di semitoni – pezzi pregiati. E infine c’è la coda di Enuma Anu Enlil, bella e ostinata, interrotta senza un perché, così da far pensare a una promessa di nuova musica a venire – si spera presto.

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The first thing to say is also the simplest: what a good record! Tetro, Organ’s debut (from Belluno, Italy), is a really satisfying dish for doomsters. There are many things you can enjoy: the two main landmarks (Wizard and Ufomammut), duly pondered and absorbed; the dislocation of the voice on the second line; a rock solid sound; a «fat» and large bass; a smart use of repetition and ostinato (the right tools to block the characteristic cerebral temptation of some Italian metal). And then there are the riffs, three of them in particular, that while belonging to a precise family, have personality and stand out like mountains whose profiles you have learned to recognize:

The first riff of the Slave Ship, very «Italian», one might say, repeated enough to appreciate its strongness and the unusual, oscillating movement; the Witch House’s one; and the riff of Kholat Syakhl that combines the two aforementioned elements in an excellent example of weight and power – very good ones, all three of them. And finally Enuma Anu Enlil’s coda, beautiful and droning, ending without a reason, like a promise of the music to come – hopefully soon.

Organ, Tetro, self-released 2015.

 

 

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Slowly We Riff*: Spelljammer, «Ancient of Days»

AncientOfDaysDopo due ep molto interessanti (Inches from the Sun, 2010; Vol. II, 2012), gli svedesi Spelljammer sono approdati quest’anno, in formazione rinnovata, al cosiddetto full-length. In Ancient of Days il suono si è molto appesantito e i tempi si sono nel complesso rallentati verso una forma di heavy doom che mi è piaciuta molto – come mi piacciono molto i gruppi che, edificato un riff sufficientemente solido, vi si accaniscono senza tregua.

Uno splendido esempio di ciò è rappresentato dal brano di apertura, Meadow, in cui basso, chitarra e batteria sono protagonisti alla pari di una fragorosa ed essenziale dichiarazione di heavy faith. Il main riff è evocato con pazienza, fortificato da un basso ciclopico e infine lasciato libero di spianare il terreno.

Ognuno dei cinque brani, d’altra parte, con la sola esclusione dell’intermezzo acustico di Laelia, è incardinato su uno di questi megariff, sempre miracolosamente in bilico tra totale anonimato e clamorosa potenza, e mi pare che gli Spelljammer sappiano stare stabilmente dalla parte di quest’ultima. Come dimostrano il secondo riff di The Pathfinder o quello di apertura di Borlung, che suonano familiari all’ascoltatore ma che al tempo stesso dispiegano la loro rinnovata efficacia ripetizione dopo ripetizione.

Secondo le loro stesse parole, «Ancient of Days is not just the band’s third release, but in many ways, a rebirth». Che rinascita! E che promessa per il futuro!

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After two very interesting ep’s (Inches from the Sun, 2010; Vol. II, 2012), Swedes Spelljammer landed this year, with a new line-up, on the so-called full-length album: Ancient of Days. Its sound is beautifully heavier, and tempos are a lot slower, pointing toward a form of heavy doom that I really liked – as I really like groups capable of building sufficiently solid riffs, and than rage upon them without mercy.

The first track, Meadow, is a splendid example of that, with bass, guitar and drums equally playing a leading role in a loud declaration of faith in heaviness. The main riff is put together with patience, toughened by a gargantuan bass and finally set free to level the ground.

Each of the five songs, moreover, with the sole exception of the acoustic Laelia, is built on one of these megariff, always miraculously in balance between total dullness and sensational power, and it’s obvious that Spelljammer are firmly on the side of the latter. As clearly demonstrated by The Pathfinder’s second riff or by the opening one of Borlung: they both sound familiar to the listener, in a way, but at the same time they unfold a renewed forcefulness, repetition after repetition.

In their own words, «Ancient of Days is not just the band’s third release, but in many ways, a rebirth.» What a rebirth, indeed! And what a fierce promise for future releases!

Spelljammer, Ancient of Days, RidingEasy Records 2015.

(* The post’s title is taken from a Coltblood’s T-shirt.)

 

 

 

 

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shEver, «Panta Rhei» (Di bene in metal #30)

PantaRheiIl riff di basso con cui si apre Panta Rhei, quarto album delle svizzere shEver (attive dal 2004), è una specie di serpente preistorico che comincia a muoversi nell’oscurità. È anche l’anticipazione di una qualità su cui si basa gran parte del disco: la capacità di sviluppare brani ampi e ricchi di sfumature a partire da minime cellule ritmiche. Le atmosfere sospese e rarefatte che caratterizzano l’inizio di quasi tutti i cinque pezzi si ispessiscono a poco a poco, fino a raggiungere la solidità necessaria per reggere la potenza dell’urlo e la piena «fioritura» del riff.

Insieme con il dispiegarsi della massa sonora, prende forma un’altra caratteristica dello sludge/doom massiccio delle shEver (cantato in inglese, francese e portoghese): il tratto marcatamente ipnotico e ritualistico dei loro brani, che, a ritmo di marcia, avanzano come processioni dolenti e al tempo stesso combattive. Una miscela che si alimenta del contrasto tra il tono malinconico di chitarra e basso e l’aggressività di voce e batteria. Molto emblematica, in questo senso, Failed to avoid, che oscilla tra il lamento e il canto di battaglia; ma anche La Fin, che riecheggia a lungo in una cavità sotterranea prima di mettersi in movimento per annunciare la fine; e ancora Infinita Mente Triste, un’altra marcia di protesta verso l’infinito.

Le shEver lavorano con pazienza sulla propria formula, raffinando un materiale semplice ma non per questo banale e ricavandone un disco sincero e onesto, e che riesce a far sentire e risuonare a lungo una propria «voce» distinta.

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The opening bass’ riff of Panta Rhei, fourth album of shEver (making music from Switzerland since 2004), is like a prehistoric snake, crawling out from the darkness. It is also the preview of a distinctive quality of the entire record: the ability of developing large and textured songs starting from little rhytmic fragments. The rarefied and vague atmospheres at the beginning of almost all five songs thicken minute after minute, until they gain enough strenght to bear the power of the scream and the riff.

And here you find another specific feature of the massive shEver’s sludge/doom (sung in French, English, and Portuguese): the strong hypnotic and ritualistic feel of their music. Every song is marching like a procession, sorrowful and combative at the same time. A very well performed mix, that gets its taste from the conflict between the melancholic tone of guitar and bass, and the rage of voice and drums. Listen, as a clear example of this, to Failed to avoid, that swings between the lament and the war song; or to La Fin, that seems to echo in a deep subterranean cave before starting to move, announcing the end of it all; and also to Infinita Mente Triste, another potentially endless march of protest.

Panta Rhei sounds like a really honest and sincere album, and therefore powerful. shEver worked hard on their song-form, patiently refining a simple but not trivial material, and succeding in letting out their distinctive voice. And in making it resonating.

shEver, Panta Rhei, self-released 2015.

 

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Black Tremor, «Impending» (Di bene in metal #29)

Impending

Da buon metallaro anziano sono sempre molto sospettoso nei confronti delle formazioni atipiche. Sì sì, proviamolo pure questo sassofono, ma non posso proprio dire di considerare la mia musica preferita al pari di un laboratorio di sperimentazione – non per statuto, almeno.

Così, ero appunto assai sospettoso all’avvicinarsi dei Black Tremor, trio proveniente da Saskatoon, nel Saskatchewan, composto da Alex Deighton al basso, Brennan Rutherford alla batteria e Amanda Bestvater al violino. E invece il loro ep d’esordio, corredato di una copertina molto attraente, mi è piaciuto ad apertura di primo brano (The Church).

Sarà l’uso efficace e insolito del basso slide, saranno gli intrecci molto riusciti, soprattutto dal punto di vista timbrico, di basso e violino, sarnno gli echi – peraltro dichiarati – di Earth e Om, sarà ancora l’andamento morbido e sornione dei brani, insomma, ogni cosa mi sembra perfettamente al suo posto in questo ep.

Un ep inatteso, dalla vena in prevalenza malinconica e dolce, capace di alternare con gusto nostalgie «atmosferiche» a classiche zampate stoner, tipiche mosse blues ad accenni cupi di doom e di drone, come nella lunga e bella la title-track.

Che cosa incomba, che cosa sia imminente rimane incerto. Forse l’impressionante tempesta di sabbia raffigurata sulla copertina del disco. Se è così, la musica dei Black Tremor di certo ne esorcizza la paura.

Black Tremor, Impending, self-released 2015.

 

 

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Sardonis, «III» (Di bene in metal #28)

SardonisIII

Sette anni dopo un ep di esordio, due album e qualche split (tutto metal di ottima qualità), i SardoniS, duo belga chitarra e batteria («two man army playing downtuned heaviness»), piazzano con III un colpo decisivo (copertina compresa). La formula sludge/doom strumentale non è cambiata, la massa sonora immane riversata sull’ascoltatore è solo aumentata (la batteria è un impressionante fiume in piena), la fede nel Riff è quella di sempre. Tuttavia, c’è qualcosa di più in questo nuovo album, che probabilmente riguarda la qualità delle idee, l’urgenza con la quale sono eseguite e la formidabile pienezza del suono. La chiave dei SardoniS non è nel contesto, nell’evocazione di vaste atmosfere senza tempo in cui scolpire riff giganteschi, bensì nella corsa, alla massima velocità consentita dalla pesantezza, e con qualche pausa per tirare il fiato. Una corsa attraverso un paesaggio notturno, o forse un tunnel: non c’è niente da guardare, c’è solo da andare, da macinare.

III è un veicolo lanciato forward to the abyss, come opportunamente sottolinea il titolo dell’ultimo brano del disco, una poderosa rincorsa che, insieme a quello che lo precede (Ruined/Decay), rappresenta, per il momento, il vertice dell’arte metallica dei SardoniS.

Sardonis, III, ConSouling Sounds 2015.

 

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I tre brani preferiti di oggi (Veuve, Green Druid, Black Shape of Nexus; Di bene in metal #27)

  Veuve  GreenDruid  BSoNVII

I tre brani preferiti di oggi sono:

1. Private Drowning dei Veuve, dall’ep di esordio. Perché il controllo che il trio di Spilimbergo dimostra nel riff che apre brano e disco non è comune. È un bel rischio decidere di presentarsi con un riff di quella semplicità, bisogna saperlo lardellare con polso, gusto e determinazione, cosa che i Veuve fanno egregiamente. Gran bel colpo.

2. Ritual Sacrifice dei Green Druid, dall’ep di esordio. Perché il rito wizardiano è officiato dal quartetto di Denver con rinnovato e contagioso entusiasmo: il primo riff, della categoria «massima estensione», arriva dopo un bel crescendo ed è capace di svitarti dal suolo anche se i bulloni sono vecchi e arrugginiti, mentre il secondo è il classico riff «ottuso» e smargiasso cui aderisco all’istante. Esaltante.

3. VII dei Black Shape of Nexus, pubblicato isolatamente. Perché, a partire da tuoni iniziali di batteria e di basso, il brano si inserisce nella categoria dei «Credo» che la maggior parte delle band prima o poi decide di comporre. È un ennesimo atto di fede del sestetto di Mannheim, che, dopo tre, quattro minuti di cannoneggiamento, arriva al cuore della devozione metallica: la mononota ribattuta all’infinito (in questo caso a sedicesimi), la corda pestata sull’incudine all’incandescenza, senza un prima né un poi. Purissimo.

Veuve, Private Drowning, in Veuve ep, self-rel. 2015; Green Druid, Ritual Sacrifice, in Green Druid ep, self-rel. 2015; Black Shape of Nexus, VII, self-rel. 2015.

 

 

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Rorcal, «La Femme sans tête» (Di bene in metal #26)

LaFemmeSansTete

Per celebrare il loro decimo anniversario di attività, gli svizzeri Rorcal (di Ginevra) hanno messo a disposizione dei loro seguaci La Femme sans tête, una suite in tre parti, della durata di poco più di mezz’ora. Loro dicono di trovarsi «da qualche parte tra drone, doom e black metal», e invitano a infilarsi «nella pancia della balena». Qui il territorio è prevalentemente drone/doom, e momento culminante della suite è la seconda parte: un quarto d’ora di furia furiosa, sbiancata e perfetta. Ci si arriva dopo una lunga introduzione, che rende l’esplosione ancora più efficace, e ci si affonda, in una vera apoteosi di urla, clangore, cimbali, rombi e distorsione: il marchio di fabbrica Rorcal nella sua forma più esatta. Il crescendo collassa in una vibrazione cosmica in cui la forma si smarrisce, e con essa il genere (credo si possa parlare di dark ambient). La terza parte aggiunge nuovi elementi e restituisce il tempo, il ritmo. Un basso ciclopico, molto potente, tiene in piedi e dà sostanza a una divagazione noise e ossessiva che lentamente si spegne. È musica catartica, che prevede un patto tra chi la compone e la esegue e chi la ascolta; è un altro tassello di un’opera nera di notevole compattezza e, sì, di oscura bellezza.

Rorcal, La Femme sans tête, self-rel. 2015.

 

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